Dos de los héroes más poderosos de la Liga de la Justicia en DC son Superman y Shazam. Aunque Superman siempre ha sido el más reconocido y simbólico de los dos, también sabemos que nunca baja al nivel de matar a alguien, sin importar la situación.

Sin embargo, existe una ocasión en la que Superman mató a Shazam. Entonces, ¿por qué Superman mata a Shazam? Superman lo hizo porque Shazam se opuso a su plan de destruir Gotham City para dar una lección a Batman y a los héroes que estaban en su contra en la historia del cómic Injustice. Cuando Superman se cansó de que Shazam se interpusiera en su camino, lo asesinó congelando su boca y usando su visión de calor.

Aunque Shazam es un héroe muy poderoso y capaz de enfrentarse a Superman, también sabemos que la versión de Injustice presenta a un Superman desequilibrado, que ya no se guía por la moral. Por eso le resultó tan sencillo matar a Shazam, quien normalmente sí podría plantarle cara al Hombre de Acero, pero que en esa situación no tuvo oportunidad.

El gobierno de terror de Superman

En el universo de DC existen muchos héroes icónicos, pero sabemos que ninguno está dispuesto a convertirse en un villano matando a alguien. Sin importar cuán malvado sea un enemigo, estos héroes siempre intentan encontrar una solución sin quitar una vida. Superman es uno de los mejores ejemplos, ya que siempre ha evitado matar, sin importar las circunstancias.

Pero todo cambió en la trama de Injustice, donde Superman se volvió una persona completamente diferente tras un evento traumático. Injustice es un videojuego con su propia versión en cómic, desarrollado en un universo alternativo similar al principal de DC. En esta realidad, el Joker engaña a Superman para que mate a Lois Lane, usando la toxina del miedo de Scarecrow, lo que confundió a Kal-El y lo llevó a acabar con la vida de su esposa embarazada.

La muerte de Lois Lane también provocó la destrucción de Metrópolis, porque su corazón tenía implantado el detonador de un arma nuclear. De esta forma, Superman perdió al amor de su vida y a su ciudad en un solo instante. Esto lo llevó a matar al Joker y luego a convertirse en un tirano que gobernó el mundo con mano de hierro, intentando evitar que alguien más sufriera algo parecido.

Sin embargo, aunque sus intenciones podían sonar justificables, utilizó métodos crueles e inmorales, sin importarle a quién debía eliminar con tal de mantener la paz. Varios miembros de la Liga de la Justicia lo apoyaron, incluyendo a Shazam, quien formó parte de este régimen autoritario.

Por supuesto, Bruce Wayne y algunos héroes y villanos se opusieron al gobierno tiránico de Superman. Batman fue uno de los pocos que trató de detenerlo, aunque no pudo hacerlo sin la ayuda del Superman del universo principal de DC.

Pero como Batman estaba frustrando los planes del Superman corrupto, el Hombre de Acero decidió dar un ejemplo al mundo entero. Planeó destruir la ciudad de Gotham, tal como el Joker destruyó Metrópolis, para obligar a Batman a experimentar el mismo dolor que él sintió al perder su ciudad.

Mientras que matar villanos era algo que algunos héroes podían tolerar, destruir una ciudad entera era un límite que no estaban dispuestos a cruzar.

¿Por qué Superman mató a Shazam?

Como ya se mencionó, esta versión corrupta de Superman se había vuelto tan inestable que estaba dispuesto a destruir Gotham para darle una lección al resto del mundo. Fue entonces cuando Shazam se negó a aceptar sus planes, ya que creía que matar a personas inocentes para mantener a raya a Batman y al mundo no era un camino válido para preservar la paz.

Superman, por supuesto, no quería que ninguno de los héroes bajo su mando cuestionara sus decisiones. Intentó que Shazam guardara silencio. Pero cuando Billy Batson siguió hablando, Superman perdió la paciencia. En un instante, tomó a Shazam por el cuello.

Normalmente, Shazam habría podido liberarse porque es igual de fuerte que Superman y cuenta con la magia a su favor. Clark Kent sabe que la magia de Shazam puede dañarlo. Pero Superman congeló la boca de Shazam con su aliento, impidiendo que pronunciara la palabra “Shazam” para invocar su rayo mágico.

Después de eso, Superman usó su visión de calor para quemar lentamente el rostro de Shazam hasta que Billy Batson murió. Aunque Shazam murió en Injustice, lo hizo con el honor de un verdadero héroe, ya que fue uno de los personajes que finalmente reconoció lo equivocadas que eran las acciones del Último Hijo de Krypton.

La muerte de Shazam también hizo que otros héroes comprendieran que los métodos de Superman eran crueles y malvados, lo que finalmente llevó a la caída del opresivo Hombre de Acero en Injustice.

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• Megan Gale, la Wonder Woman de George Miller
• Todos los Trajes de Catwoman en cómics, películas y series
• Martha Wayne de Flashpoint. ¿Cómo se convirtió en el Joker?

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Hace varios años, en 2007, el reconocido director George Miller (Mad Max) tuvo la tarea de realizar la primera adaptación live action de la Liga de la Justicia. Para ello, tenía en mente a varios actores que darían vida al legendario equipo, entre ellos Megan Gale, elegida para interpretar a Wonder Woman en este proyecto. Hoy, como anécdota, repasaremos un poco sobre su selección y veremos algunas imágenes del traje que habría usado la guerrera amazona.

Pensada para estrenarse en 2009, Justice League: Mortal (Liga de la Justicia: Mortal) era la película que George Miller estaba desarrollando para Warner. El rodaje estaba programado para 2008 en Australia y el reparto incluía a Armie Hammer como Batman, D.J. Cotrona como Superman, Megan Gale como Wonder Woman, Adam Brody como Flash, Common como Linterna Verde, Jay Baruchel como Maxwell Lord, Santiago Cabrera como Aquaman, Hugh Keays-Byrne como Martian Manhunter, Teresa Palmer como Talia al Ghul y Zoe Kazan como Iris Allen.

Lamentablemente, la película nunca llegó a realizarse por dos motivos. El primero fue la huelga del Gremio de Guionistas de América (2007 – 2008), y el segundo fue que el gobierno australiano terminó negándole a la producción un crédito fiscal crucial, lo que dejó el presupuesto fuera de alcance.

Megan Gale como Wonder Woman

Mientras promocionaba un documental sobre la fallida película de la JLA, Ryan Unicomb publicó en su Instagram un vistazo de Megan Gale caracterizada como Wonder Woman, así como una imagen del Batman interpretado por Armie Hammer. Años después, en 2015, el fotógrafo Mark Rogers compartiría otra foto de Megan Gale con el traje de la princesa amazona.

En la imagen vemos a Gale vestida como la Mujer Maravilla, usando una falda azul, un corsé y brazaletes dorados. La foto se hizo pública el mismo día en que la actriz Gal Gadot compartió su primera imagen oficial para la película Wonder Woman, que se estrenó en 2017.

En mi opinión, Megan Gale parecía una buena elección para el papel de la princesa Diana de Themyscira, y es inevitable preguntarse cómo habría sido verla interpretando al personaje. En general, me gusta el traje y la falda. Un detalle negativo es que no incluyeron el clásico emblema del águila en la coraza. Aun así, la tiara que lleva es realmente genial.

Aunque su versión de Wonder Woman nunca llegó a la pantalla grande, Gale terminó trabajando con George Miller en la aclamada película Mad Max: Fury Road.

Como comparación, aquí tienes una imagen de Gal Gadot en su papel de Wonder Woman en Batman v Superman: Dawn of Justice. ¿Para ti, a quién le queda mejor el traje?

¿Qué opinas del aspecto de Megan Gale como Wonder Woman en la cancelada Justice League: Mortal de George Miller? ¡Cuéntanos en los comentarios!

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• Todos los Trajes de Catwoman en cómics, películas y series
• Martha Wayne de Flashpoint. ¿Cómo se convirtió en el Joker?
• Logo de Wonder Woman. Su historia y sus diferentes versiones

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Desde su debut hace más de 80 años en Batman #1, Catwoman se ha mantenido como una de las villanas más importantes del Caballero Oscuro, además de servir como uno de los intereses amorosos más complejos de Bruce Wayne.

Aunque ambos se encuentran en lados opuestos de la ley, siempre ha existido una fuerte atracción entre Batman y Catwoman. De hecho, hace algunos años Batman incluso llegó a proponerle matrimonio. Durante sus primeros años, se la conocía como “The Cat” o “Cat-Woman”, antes de que su nombre se estableciera definitivamente como Catwoman, o Gatúbela en español.

Desde su primera aparición, los trajes de Catwoman han pasado por múltiples cambios, estilos y colores. No fue hasta la etapa posterior a Crisis en Tierras Infinitas, a finales de los años 80, cuando comenzaron a definirse las bases del traje moderno que hoy reconocemos. Aquí tienes un repaso por la evolución de todos los trajes de Catwoman a lo largo de su historia en los cómics, películas y series.

Trajes de Catwoman en los cómics

Pocos personajes del cómic han cambiado tanto como Catwoman. En su primera aparición en Batman #1 (1940) era casi irreconocible, una experta en disfrazarse. A continuación, presentamos una recopilación de todos los trajes de Gatúbela en los cómics desde sus inicios hasta la actualidad.

1940 – La Edad de Oro

La villana que hoy conocemos como Catwoman era originalmente “La Gata” (The Cat), una experta del disfraz. Desde el comienzo, el guionista Bill Finger introdujo una atracción entre La Gata y Batman, imposible de concretarse por encontrarse en bandos opuestos.

En esta versión, La Gata era una ladrona de joyas y maestra del disfraz. Más allá de sus múltiples identidades, su atuendo más recordado era un llamativo vestido verde que resaltaba su figura. Aunque Robin percibió el engaño desde el inicio, Batman quedó intrigado por ella.

1940 – La Edad de Oro II

En su tercera aparición (Batman #3), La Gata evolucionó hacia una supervillana en toda regla, sumando una capa y una máscara con cabeza de gato a su vestimenta naranja.

Los textos de apoyo no se decidían entre llamarla The Cat, Cat-Woman o Cat Woman, alternando entre estos nombres durante un tiempo. Su apariencia también cambió durante algunos años antes de abandonar este estilo y adoptar la clásica capucha con orejas de gato.

1942 – La Edad de Oro III

En su cuarta aparición (Batman #10) ya era llamada Cat-Woman, y en la quinta (Batman #15) su nombre finalmente se fijó como Catwoman (Gatúbela). Aun así, no podían decidir qué color debía tener su traje. Este diseño, usado para un desfile criminal, fue el primero que se mantuvo más de dos números: duró tres.

1946 – La Edad de Oro IV

En su séptima aparición (Batman #35), la máscara con cabeza de gato fue sustituida por una capucha con orejas similar a la de Batman. Curiosamente, aunque su cabello se dibujó claramente negro, se coloreó en amarillo. Este traje también apareció ese mes en la tira dominical, aunque con otra combinación de colores.

1946 – La Edad de Oro V

En el mismo mes del lanzamiento de Batman #35, Winslow Mortimer presentó otro traje en Detective Comics #112, usado inicialmente por una costurera que imitaba a Catwoman en un concurso. Dos meses después, la Catwoman real adoptó ese traje en la tira dominical, pero sin la abertura del abdomen ni la correa del pecho.

1947 – La Edad de Oro VI

Bob Kane reinterpretó el traje de Mortimer con colores verde y morado, una falda más corta, guantes con dedos definidos y solapas más delgadas. Cada artista le dio su propio toque, pero Catwoman mantuvo este traje hasta 1954, cuando la creación del Comics Code Authority provocó que desapareciera de las páginas durante una década.

1966 – La Edad de Plata

Durante los años 50, Catwoman fue reemplazada en gran medida por la más heroica Batwoman, quien incluso protagonizó una relación ambigua con Batman. Cuando Catwoman dejó de aparecer, varias de sus historias clásicas fueron reimpresas. Su regreso ocurrió en Superman’s Girl Friend Lois Lane #70, usando una versión del último traje que había llevado en la Edad de Oro.

En su primera aparición durante la Edad de Plata, Catwoman lucía un traje similar al de su última etapa dorada, pero con un elegante catsuit negro en lugar del vestido morado.

1967 – La Edad de Plata II

La popularidad de Catwoman en la serie de televisión de Batman (1966) influyó en su retorno a los cómics. Su traje comenzó a dibujarse como el de la TV, aunque curiosamente se coloreaba en verde, tal vez porque Batgirl ya usaba negro y dorado. Los artistas tuvieron dificultades para representar el brillo de la tela, que a veces parecía escamosa.

Nuevamente inspirada por Julie Newmar, la Catwoman de los cómics recibió un catsuit ajustado y un collar. Cuando la serie terminó, este traje también desapareció.

1969 – La Edad de Plata III

Tras el fin de la serie, se introdujo rápidamente un nuevo traje de Catwoman en los cómics. Diseñado por Frank Robbins, recordaba a los trajes de los años 40, pero con cambios como guantes más altos, cuello elevado, hebillas, mallas y una cola.

1975 – La Edad de Bronce

El clásico vestido de la Edad de Oro, diseñado por Win Mortimer, regresó en Batman #266, aunque con ajustes: capa más larga, vestido más extenso con aberturas en los muslos y botas hasta la pantorrilla.

Tampoco faltó su característico látigo de nueve colas. Para muchos, esta es la versión más icónica del traje de Catwoman en los cómics, prueba de ello es su aparición en el famoso arte del Style Guide de DC creado por José Luis García-López.

1987 – Post-Crisis

Frank Miller y David Mazzucchelli reiniciaron la continuidad con Batman: Año Uno. Allí, el primer traje de Gatúbela era un atuendo gris con capucha de orejas grandes, bigotes y una cola, dándole una silueta muy felina. En las historias ambientadas en el presente, el traje se volvió morado.

1993 – Post-Crisis II

Con el auge de Catwoman tras su aparición en la película de Tim Burton, se lanzó una serie regular que trajo un nuevo traje. Diseñado por Jim Balent, recordaba al de Año Uno mezclado con el estilo de Batman: La Serie Animada. Aunque se mantuvo la silueta púrpura y negra, la zona del pecho se volvió más prominente con el tiempo, típico del estilo artístico de los años 90.

2000 – Post-Crisis III

Al relevar a Balent, Staz Johnson recibió la tarea de diseñar un nuevo atuendo. Editorial quería alejarse de los trajes clásicos y optar por algo más práctico, armado a partir de prendas comunes. La idea de usar maquillaje como máscara se inspiró en Pris de Blade Runner.

2002 – Edad Moderna

Ed Brubaker y su esposa propusieron un traje inspirado en Emma Peel, con casco de aviador y gafas. Darwin Cooke añadió gafas de ojos de gato, botas gruesas, cinturón para el látigo y un cierre frontal. Con el tiempo, el traje se ajustó más y el cierre descendió, dando lugar a algunas portadas muy recordadas de Adam Hughes.

Copycat (2018)

Tras su matrimonio fallido con Batman, Gatúbela obtuvo nuevamente una serie propia. Joelle Jones rediseñó su traje, dándole un estilo elegante y completamente negro, recordando al de Michelle Pfeiffer pero con toques más modernos y simples.

Trajes de Catwoman en series de TV

Desde su primera aparición televisiva, Catwoman ha cautivado a generaciones gracias a su agilidad, estilo y su inseparable atuendo de látex ajustado. Estos son sus trajes en series animadas y live action.

Batman (1966)

Este traje convirtió a Catwoman en un fenómeno cultural. El catsuit negro de Lurex con tacones altos y accesorios dorados —incluyendo un cinturón caído sobre las caderas— explica por qué el Batman de Adam West se mostraba nervioso ante ella.

El diseño, creado por Pat Barto, tenía influencias de Emma Peel más que de los cómics. Julie Newmar decidió mover el cinturón a las caderas, detalle que se volvió icónico. Ella lo usó en las primeras dos temporadas. Debido a otros compromisos, no pudo participar en la película, siendo reemplazada por Lee Meriwether, quien llevó máscara. Eartha Kitt tomó el rol en la tercera temporada. Cada una dejó su marca, pero Newmar sigue siendo considerada la imagen clásica.

The Adventures of Batman (1968/1977)

La serie animada de Filmation basó el traje en el de los cómics, que a su vez se inspiró en la versión televisiva. El atuendo era similar, pero con colores verde y blanco en lugar de negro y dorado.

En su regreso una década después como The New Adventures of Batman, Catwoman recibió un rediseño completo: cabello largo y castaño, traje naranja con un emblema de cabeza de gato en el pecho, y botas y guantes blancos.

Batman: La Serie Animada (1992/1997)

El estudio quería un traje similar al de la película, pero Bruce Timm temía que no funcionara en animación. Se llegó a un equilibrio usando un catsuit gris con botas y guantes negros y un cinturón inspirado en el de la serie de TV. En el rediseño de 1997, el traje pasó a ser completamente negro, y la piel de Catwoman adquirió un tono azul pálido.

The Batman (2004)

Tras 2004, muchas versiones de Catwoman en otros medios se basaron en el diseño de Cooke. En la serie The Batman, Jeff Matsuda incorporó orejas grandes, garras estilo anime, una capucha y un látigo que hacía de cola cuando lo llevaba atado a la cintura.

Batman: The Brave and the Bold (2008)

La serie adoptó un enfoque retro, usando un traje que Gatúbela no llevaba desde 1993. Encajaba perfectamente con el tono del programa y marcó el inicio de una tendencia a adaptar versiones nostálgicas del personaje.

Bat Man of Shanghai (2012)

Ambientado en la Shanghái de 1930, esta miniserie animada de DC Nation mostró una versión totalmente distinta de Catwoman, salvo por el látigo. Aunque visualmente atractiva, su diseño dejaba la espalda completamente descubierta sin una razón narrativa clara.

Gotham (2014–2019)

En Gotham vemos a una joven Selina Kyle, compañera de aventuras de un joven Bruce Wayne. Su atuendo se mantuvo estable durante las cinco temporadas: chaqueta de cuero, pantalón negro, rodillas desgarradas y una capucha con gafas de aviador encima.

DC Super Hero Girls (2015/2019)

En la primera versión de la serie web (2015), Catwoman tuvo un diseño sencillo inspirado en sus cómics, con un aire más urbano gracias a las botas y un pequeño bolero. Las orejas y las gafas recordaban a Anne Hathaway, mientras que los tonos púrpura y verde reflejaban sus colores clásicos.

En la serie de 2019, su traje tomó un rumbo nostálgico, inspirado por Eartha Kitt y por Batman: La Serie Animada.

Serie animada Harley Quinn

En la serie Harley Quinn del servicio DC Universe, su traje evoca claramente el diseño de Darwyn Cooke. Llama la atención que aquí Selina tiene un tono de piel que recuerda sus orígenes latinos, algo que muchas adaptaciones suelen omitir.

Trajes de Gatúbela en las películas

A continuación, revisamos la vestimenta que Catwoman ha usado en sus distintas adaptaciones cinematográficas.

Batman Returns (1992)

Los característicos puntos del traje fueron un verdadero desafío para los diseñadores Bob Ringwood y Mary Vogt, ya que el látex no puede coserse —cualquier perforación haría que se rasgara—. Por eso, ambos tuvieron que esculpir las costuras y pegarlas una por una. Para lograr el brillo húmedo y constante del traje de Michelle Pfeiffer, se aplicaba silicona líquida entre tomas.

La interpretación de Michelle Pfeiffer como Selina Kyle comenzó con una mujer tímida y oprimida que, tras ser “revivida” por un grupo de gatos en un callejón, sufre una crisis emocional que transforma por completo su personalidad. En su nuevo estado mental, decide crear su propio traje usando su máquina de coser. El resultado: un catsuit de látex negro, lleno de costuras exageradas al estilo Frankenstein. Esta versión se convirtió en una de las más icónicas de Catwoman, tanto por su diseño como por la intensidad del personaje.

Catwoman (película de 2004)

Para esta versión, el diseñador Angus Strathie buscó un material moderno y distintivo, en la misma línea de los tejidos innovadores usados por las Catwoman anteriores: la serie de los 60 utilizó Lurex, y Batman Returns recurría al látex. Strathie optó por combinar piezas de cuero con un tejido de silicona experimental, creando un aspecto llamativo y provocador. El diseño final se elaboró en colaboración con Halle Berry, el director y los productores, quienes buscaban un traje que resaltara la agilidad y estilo felino del personaje.

The Dark Knight Rises (2012)

En esta película, la diseñadora Lindy Hemming no usó un tejido especial ya existente: en su lugar creó una tela ficticia, estampando un patrón sobre spandex y cubriéndolo con una capa de poliuretano. Un detalle muy celebrado fueron las gafas de alta tecnología, que al levantarse formaban unas orejas de gato de manera natural. El traje estaba compuesto por dos piezas separadas, unidas visualmente por un cinturón táctico que complementaba el atuendo.

The Batman (2022)

La versión más reciente de Catwoman presenta un diseño más realista y urbano. Selina Kyle utiliza un conjunto totalmente negro, con una característica rasgadura en el hombro derecho, un cinturón sencillo, su clásico látigo y una máscara tipo pasamontañas que incorpora pequeñas orejas felinas. El traje refleja el tono más grounded y oscuro de la película, manteniendo al mismo tiempo la esencia del personaje.

¿Qué versión del traje de Catwoman te gusta más? ¿Prefieres el estilo moderno y oscuro o te gustaría que regresaran los colores clásicos de las décadas de los 40 y 50? Cuéntanos tu opinión en los comentarios. Y si eres fan de Catwoman o de Batman, este es un buen momento para volver a ver Batman Returns. Incluso podrías disfrazarte de Gatúbela para disfrutarla con más estilo.

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Batman existe por una razón fundamental: la muerte de sus padres, Thomas y Martha Wayne. Esa noche trágica es el combustible que impulsa su interminable lucha contra el crimen en Gotham.

Aunque la mayoría de historias suelen poner a Thomas Wayne en el centro de la tragedia, su madre, Martha, también tiene una historia profunda y muchas veces ignorada que se desarrolla a través de sus diferentes versiones dentro del Universo DC. Un ejemplo notable es la Martha Wayne del evento Flashpoint, una realidad alternativa donde la madre del Caballero Oscuro se convierte en el Joker, el villano más temido de Gotham.

Hoy repasaremos cómo la Martha Wayne de Flashpoint terminó siendo el Joker. Pero antes, un poco de historia…

¿Quién es Martha Wayne?

Martha Wayne y Thomas Wayne aparecieron por primera vez en Detective Comics #33 (1939), creados por Bob Kane y Bill Finger. En este número, Joe Chill asesinó a los padres de Bruce Wayne cuando intentó robar el collar de perlas que Martha llevaba como regalo de aniversario.

Con el paso de las décadas, la historia de Martha fue expandiéndose. Se reveló que su nombre de soltera era Martha Kane y que era prima de Kate Kane, quien más adelante se convertiría en Batwoman. Antes de conocer a Thomas, Martha solía frecuentar un club social y, sin saberlo, llegó a relacionarse con personas ligadas al crimen organizado de Gotham, quienes años después serían enemigos de su hijo cuando se convirtió en Batman.

Cómo llegó a convertirse en el Joker de Flashpoint

Flashpoint fue un crossover de 2011 en el que Barry Allen, al viajar en el tiempo para salvar a su madre del Flash Reverso, alteró de manera drástica la realidad del Universo DC. Esto dio lugar a versiones alternativas de muchos personajes. Por ejemplo: Superman era tratado como un experimento secreto, Aquaman y Wonder Woman estaban en guerra, Hal Jordan nunca heredó el anillo de Abin Sur, entre otros cambios importantes.

En Flashpoint: Caballero de la Venganza, de Brian Azzarello y Eduardo Risso, se revela que en esa realidad Bruce Wayne murió en el Callejón del Crimen en lugar de sus padres. Presenciar el asesinato de su único hijo destruyó por completo la estabilidad emocional de Martha, llevándola a romper su cordura y transformarse en el Joker de ese mundo.

Martha Wayne de Flashpoint, completamente desquebrajada, se corta las mejillas para imitar la sonrisa del Joker y desata una ola de terror sobre Gotham. Recluta a Yo-Yo, una versión alternativa de Harley Quinn, para que sea su compañera delictiva. En varias ocasiones se enfrenta a Thomas, quien asumió el manto de Batman en esta realidad.

Durante este periodo, Martha asesina a Jim Gordon e intenta secuestrar a los hijos de Harvey Dent antes de ser detenida por su esposo. Más adelante, cuando Thomas se encuentra con Barry Allen y descubre que existe una línea de tiempo original distinta, decide confrontar a Martha en la Batcueva. Al enterarse de que, en esa realidad correcta, Bruce crecería para convertirse en Batman, Martha queda tan impactada que huye y cae por un precipicio de la cueva.

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Hoy hablaremos sobre la historia del logo de Wonder Woman y cómo ha cambiado a lo largo de su trayectoria. En sus más de ochenta años, la integrante de la Trinidad de DC ha modificado su apariencia muchas veces. Uno de los elementos más visibles de esta evolución es el diseño del logo de Diana Prince como superheroína, que se ha ido transformando para adaptarse a cada época.

Aquí contaremos una breve historia del logo de Wonder Woman, desde su versión original de 1941, pasando por el símbolo clásico que surgió décadas más tarde, hasta llegar al diseño actual, que mezcla elementos de los logos iniciales y tradicionales.

¿Cuál fue el logo original de Wonder Woman?

El diseño del traje de la Mujer Maravilla fue creado con un fuerte espíritu patriótico por el artista y co-creador Harry G. Peter. Además de usar una combinación de colores rojo, blanco y azul, con pantalones cortos adornados con estrellas, el símbolo del traje consistía en un águila americana dorada colocada en el pecho.

Esta versión más patriótica del traje original se mantuvo durante gran parte de la Edad de Oro de los cómics. Aunque durante la Edad de Plata se hicieron algunos cambios en el vestuario, el logo prácticamente no se modificó durante las primeras tres décadas del personaje.

Iniciales como logotipo

A principios de la década de 1970, Wonder Woman actualizó su imagen clásica después de pasar por una etapa en la que predominaban los trajes blancos y se alejaba del equipo de inspiración mitológica. Para adaptarse a la época y al auge de los logotipos corporativos, el águila dorada fue reemplazada por un símbolo formado por las iniciales de Wonder Woman.

Cada inicial dorada se colocó una encima de la otra, formando una punta afilada en la parte superior del torso del traje. Los extremos de las letras conservaban un sutil guiño al diseño original del águila, ya que se asemejaban a las puntas de las alas. Este logotipo en forma de monograma se convirtió en el estándar para Wonder Woman durante décadas, hasta el relanzamiento del personaje después de Infinite Crisis en 2006.

¿Cuál es el logo actual de Wonder Woman?

Años después de Infinite Crisis, se decidió restaurar y fusionar el logotipo del águila con el monograma. La idea era reflejar el interés de Atenea por las aves, manteniendo al mismo tiempo la identidad icónica del personaje. Al principio, el uso de este logo combinado fue inconsistente debido a los reinicios del personaje: uno justo antes de Flashpoint y otro con el inicio de Los Nuevos 52, donde regresó el monograma.

Hacia el final de Los Nuevos 52, el logo fusionado volvió a utilizarse. En esta versión, la punta de las iniciales incluye una cabeza de águila visible, una cola en la parte inferior y las puntas de las alas en los extremos de las letras restauradas. Este símbolo sigue siendo el diseño oficial del personaje en los cómics actuales.

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El Flash de dos mundos es un cómic que pasó a la historia por introducir por primera vez el concepto de multiverso en DC Comics. En este relato presenciamos el encuentro entre el Flash de la Edad de Plata (Barry Allen) y el Flash de la Edad de Oro (Jay Garrick).

Este cómic dio origen a todo el caos y confusión que vendría después con la existencia de múltiples Tierras dentro del Universo DC. Hoy veremos de qué trata El Flash de dos mundos y cuál es su legado dentro de la industria del cómic.

Resurgimiento de los cómics de superhéroes

Cuando en la década de 1950 volvió a crecer el interés por los cómics de superhéroes, muchos personajes de la Edad de Oro fueron actualizados o completamente reinventados. Flash fue uno de los héroes afectados por estos cambios. El Flash original, Jay Garrick, fue sustituido por Barry Allen, un científico forense que debutó en Showcase #4 con un traje nuevo y una identidad renovada. Su aparición marcó oficialmente el inicio de la Edad de Plata de los superhéroes.

Green Lantern, Hawkman y otros héroes también recibieron versiones modernas, mientras que sus contrapartes de la Edad de Oro fueron olvidadas o eliminadas de la continuidad. Hasta ese momento se asumía que solo existía una única Tierra, el mundo en el que se desarrollaban todas las aventuras de estos nuevos personajes.

Todo cambiaría en Flash #123 (1961), escrito por Gardner Fox e ilustrado por Carmine Infantino. Gardner decidió reintroducir a Jay Garrick, quien ahora vivía en una Tierra paralela distinta a la de Barry Allen, en la historia que se volvió legendaria: El Flash de dos mundos.

Trama de El Flash de dos mundos

Barry Allen participa en un evento de caridad en Central City como Flash. Ahí entretiene a los niños con increíbles demostraciones de velocidad, como jugar tenis contra él mismo. Durante su acto final, vibra a supervelocidad y desaparece del edificio. Aunque aparece en las afueras de la ciudad, cuando regresa entiende que no está en su hogar, Central City.

Barry descubre que se encuentra en Keystone City, la ciudad natal del héroe de los cómics Jay Garrick, también conocido como Flash, el mismo personaje que lo inspiró a adoptar ese nombre cuando obtuvo sus poderes. Barry conoce a Jay y le explica que, sin querer, vibró a través de la barrera dimensional y llegó a otra Tierra. Ambos unen fuerzas para derrotar a tres de los enemigos más peligrosos de Jay Garrick: Shade, Fiddler y The Thinker.

Opinión

La historia escrita por Gardner Fox es sencilla en cuanto a trama, pero su objetivo principal es reintroducir a Jay Garrick y destacar las diferencias entre él y su sucesor. La presencia de tres villanos clásicos de la Edad de Oro permite que los nuevos lectores conozcan a estos antagonistas tradicionales.

Como ocurre con la mayoría de los cómics clásicos, El Flash de dos mundos está lleno de diálogos extensos, lo cual puede resultar pesado para algunos lectores actuales, pero se compensa con lo entretenida que es la aventura.

En las ilustraciones, Carmine Infantino enfrenta el reto de trabajar con paneles repletos de texto. Para equilibrar esto, se enfoca en primeros planos de los personajes, mostrando su excelente uso de las líneas y su habilidad para dar fuerza a cada escena.

Sus retratos de Jay Garrick destacan tanto su espíritu heroico como su edad y el ritmo más tranquilo que lleva en su vida retirada. Los paneles monocromáticos con Shade y Barry Allen lucen una textura notable gracias al trabajo de sombreado.

Legado de El Flash de dos mundos

Flash #123 fue la primera interacción entre un héroe de la Edad de Plata y su versión de la Edad de Oro. Pero lo más importante fue el contexto de su encuentro: la existencia de múltiples universos paralelos. Esto estableció la base de uno de los elementos más importantes de la mitología de DC: el multiverso.

La continuidad principal pasaría a ser Tierra-1, mientras que las aventuras de la Edad de Oro quedarían ubicadas en Tierra-2. Con el tiempo, el multiverso incluiría también a los personajes de Charlton Comics en Tierra-4, además de Tierra-X, dominada por los nazis, y la caricaturesca Tierra-C.

Todas estas y muchas otras Tierras se volverían fundamentales en el evento Crisis en Tierras Infinitas, donde el Anti-Monitor destruyó el multiverso y los mundos restantes se fusionaron en un solo universo. Más adelante, gracias a Alexander Luthor Jr. en Crisis Infinita, el multiverso renacería y se convertiría nuevamente en un elemento esencial para DC.

Gardner Fox también estableció la curiosa forma en que los universos paralelos están conectados: los cómics. Desde su hogar en Tierra-1, Barry Allen podía leer sobre las aventuras de Jay Garrick en Flash Comics. Lo que él creía que eran historias ficticias eran en realidad hechos reales de otra Tierra.

Este concepto serviría como base para The Multiversity, la obra de Grant Morrison que explora todo el multiverso de DC. En ella, los cómics de cada mundo funcionan como una ventana hacia los sucesos de otros mundos. Aunque más sofisticado, el mecanismo y la idea del multiverso nacieron directamente en Flash #123.

La portada y sus homenajes

La portada de El Flash de dos mundos es una de las imágenes más icónicas de todos los tiempos. En ella vemos a los dos Flash corriendo para salvar a un hombre que está a punto de ser aplastado por una viga de construcción. A lo largo de los años ha recibido infinidad de homenajes en cómics, series y otros medios, muchos de ellos replicando la escena con distintos personajes.

El Flash de dos mundos es, sin duda alguna, uno de los cómics más importantes jamás publicados. El multiverso creado por Gardner Fox construyó las bases de décadas de historias en DC, influyó en grandes eventos y permitió que escritores y artistas desarrollaran sus propias versiones de héroes y villanos, usando las Tierras paralelas como espacio creativo sin afectar la continuidad principal.

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Los brazaletes de Wonder Woman existen desde su primera aparición en 1941, en All Star Comics #8. Junto a su lazo mágico, son sus herramientas esenciales para enfrentar a los innumerables villanos con los que se cruza cada día.

Los brazaletes de la Mujer Maravilla son una fuente de fuerza y también un medio para mantener sus poderes bajo control. Funcionan como su escudo y su arma, y forman parte de lo que hace a Diana un personaje tan extraordinario. Aquí tienes 13 datos sobre los brazaletes de Wonder Woman que probablemente no conocías.

Antes de empezar una infografía resumiendo los principales datos:

Cómo se llaman los brazaletes de la Mujer Maravilla

Los brazaletes de Wonder Woman reciben el nombre de “Brazaletes de Sumisión”, debido a la forma en que afectan tanto a ella como al resto de las amazonas.

Origen detrás de los brazaletes

El motivo de la existencia de estos brazaletes tiene una historia muy interesante. Es bien sabido que Wonder Woman fue creada por el psicólogo William Moulton Marston y el artista Harry G. Peter en 1941, convirtiéndose en una de las primeras superheroínas del cómic. Lo que pocos conocen es que parte de su diseño se inspiró en Olive Byrne.

Byrne fue alumna y asistente de Marston, y mantenía una relación poliamorosa con él y su esposa. Los tres vivían juntos, y Marston tuvo hijos tanto con su esposa como con Byrne. A ella le gustaba usar brazaletes de plata muy pesados, que sirvieron como inspiración directa para el diseño de la joven amazona. Al comparar fotos de Byrne con las imágenes de la Wonder Woman de los cómics de la Edad de Oro, los brazaletes coinciden de forma casi exacta.

Son casi indestructibles

Casi todos los fanáticos saben que los brazaletes de Wonder Woman son a prueba de balas, y que ella los usa como escudos para protegerse. Es común verla en películas y cómics cruzando los brazos mientras las balas rebotan en ellos. Sin embargo, no solo resisten disparos: también han soportado ataques tan poderosos como los rayos Omega de Darkseid y la visión térmica de Superboy.

Los únicos objetos capaces de romperlos han sido de origen mágico. En Wonder Woman #307 (1983), Diana lucha contra Niko Egeo, un terrorista griego que consigue armas divinas, entre ellas las dagas de Vulcano. Dichas armas son indestructibles y pudieron cortar su lazo mágico y destrozar uno de sus brazaletes.

Bondage

En la Edad de Oro del cómic, Wonder Woman era fuerte, ágil y muy segura de sí misma, pero tenía una debilidad directamente ligada a los brazaletes. Si un hombre los encadenaba, ella perdía su fuerza y quedaba completamente vulnerable. En Sensation Comics #4, se reveló que cuando Afrodita hechizó los brazaletes, también impuso una maldición: cualquier amazona perdería su fuerza si un hombre unía sus muñecas.

Por eso, en los cómics antiguos, Wonder Woman aparece frecuentemente atada. Hoy en día esto es motivo de críticas, debido a la idea de mostrar a una mujer prácticamente sin poder y en una posición de sumisión. Estas críticas son comprensibles, ya que el propio Marston tenía interés en el BDSM. Esa debilidad fue eliminada tras Crisis en Tierras Infinitas.

Simbolismo

Para Marston, los brazaletes eran más que una herramienta de defensa; tenían un significado emocional muy profundo. Esto se explica en Comic Cavalcade #14 (1946). En esa historia, una joven estaba frustrada por su mal desempeño en un equipo deportivo, así que Wonder Woman la llevó a la Isla Paraíso para entrenar como amazona.

El primer paso consistía en ser atada con los brazaletes de Afrodita, que otorgaban fuerza y agilidad sobrehumanas. Pero cuando la joven se quitó los brazaletes, se volvió cruel y abusó de su fuerza. Wonder Woman explicó que quienes tienen poder pueden abusar de él si no están “atados por el amor”. Para Marston, los brazaletes simbolizaban el equilibrio entre poder y amor; las emociones son más fuertes que la fuerza física.

Qué pasa si Wonder Woman se quita los brazaletes

En las Edades de Oro y Plata, si una amazona se quitaba los brazaletes, perdía el control por completo. Wonder Woman no era la excepción: al retirárselos, entraba en un estado de furia “berserker”, que la hacía aún más fuerte pero también extremadamente peligrosa.

Marston escribió este efecto como una metáfora del autocontrol emocional. Para él, los brazaletes representaban el amor, y sin amor las personas podían volverse irracionales.

En los cómics actuales, los brazaletes no evitan que Diana pierda la cordura, sino que contienen su enorme poder divino. Un ejemplo de esto aparece en Wonder Woman #12 (2012); antes de luchar contra Artemisa, Diana se quitó los brazaletes. Artemisa se burló de ella, creyendo que quedaría desprotegida, pero Wonder Woman reveló que los brazaletes no la protegían a ella, sino a quienes peleaban contra ella.

La maldición de Afrodita

Aunque los brazaletes de Diana son únicos, todas las amazonas usan brazaletes como parte de un pacto con Afrodita. En la mitología de Wonder Woman, las amazonas fueron alguna vez la nación más poderosa de la Tierra, pero fueron engañadas y esclavizadas por Hércules. Tras su liberación, Afrodita les ordenó mudarse a la Isla Paraíso y usar brazaletes como símbolo de sumisión hacia ella. En la Edad de Oro, todos los brazaletes amazónicos eran indestructibles y compartían la misma debilidad de dejar a su portadora indefensa si eran encadenados.

En la era post-Crisis, las amazonas fueron creadas por los dioses para unir a la humanidad mediante el amor y la compasión. Siguen usando brazaletes para simbolizar su pasado de esclavitud ante Hércules y como penitencia por no haber logrado reformar a la humanidad. Los de Diana son los únicos realmente indestructibles.

Otros brazaletes

Otras mujeres también han llevado versiones de los brazaletes. Donna Troy es una de ellas. Su origen ha cambiado varias veces, pero siempre ha mantenido su propia versión de los br azaletes, aunque menos poderosa.

Cassie Sandmark, la segunda Wonder Girl, es otro caso. Ella llevaba el Guantelete de Atlas, que le otorgaba superfuerza. En los Nuevos 52, fue reinventada como una ladrona con una armadura encantada que le concedía fuerza y durabilidad sobrehumanas, además de incluir brazaletes.

La madre de Diana, Hippolyta, también fue presentada como Wonder Woman durante la Segunda Guerra Mundial, con su propio par de brazaletes. Sin embargo, ninguno de ellos ha sido tan poderoso como los de Diana.

De qué están hechos los brazaletes

En Wonder Woman #52 (1952), se explicó que los brazaletes estaban hechos de “amazonium”, un metal indestructible proveniente de Isla Paraíso y bendecido por Afrodita. Para desviar balas, Diana debía usar una velocidad y agilidad excepcionales.

Después de Crisis en Tierras Infinitas (1985), el origen cambió. Los brazaletes fueron forjados a partir de la Égida, un escudo legendario e irrompible de Zeus hecho con la piel de la cabra olímpica Amaltea. En vez de simplemente desviar balas, generaban un campo de fuerza capaz de bloquear cualquier ataque. Aunque el funcionamiento se ha ajustado, el origen se mantuvo.

En la serie de TV protagonizada por Lynda Carter, los brazaletes se explican como piezas forjadas con un metal llamado “feminum”, exclusivo de Isla Paraíso. Este material no aparece en los cómics ni en otros medios, así que no forma parte del canon oficial.

Brazaletes en la serie de los años 70

En la famosa serie de los años 70, los Brazaletes de Sumisión eran esenciales. Lynda Carter interpretaba a Diana, y casi siempre había una escena en la que le disparaban y ella desviaba las balas con los brazaletes. Para lograr el efecto, colocaban pequeñas cargas explosivas en los brazaletes que Carter activaba con un botón, simulando el impacto de las balas. Las chispas y destellos eran espectaculares para la época y resultaban mucho más seguros que usar proyectiles reales.

Marcas

En Wonder Woman #600 (2010), se introdujo una versión alternativa de la superheroína en la que su historia había cambiado misteriosamente. Wonder Woman perdió la memoria, Isla Paraíso fue destruida y recibió un nuevo traje y nuevas habilidades. Su clásico atuendo fue sustituido por mallas negras, un corsé rojo y una chaqueta. Sus brazaletes se convirtieron en guanteletes, y adquirieron un nuevo poder: podían marcar a sus enemigos.

En esta versión, los brazaletes llevaban una “W”. Cuando Wonder Woman golpeaba a alguien, la marca quedaba impresa en la piel del oponente, como un sello. A los fans no les gustó el cambio de traje ni el concepto de marcar enemigos, por lo que esta idea fue rápidamente abandonada.

¿Cómo funcionan los brazaletes?

En los cómics actuales, los Brazaletes de Sumisión limitan el enorme poder divino de Diana para evitar que sea demasiado peligrosa. Además, tienen habilidades adicionales, como invocar rayos directamente desde el Olimpo cuando Diana los choca entre sí.

También pueden generar ondas de choque. Esto se ve en Wonder Woman #215 (2005), cuando Diana lucha contra Superman, que estaba siendo controlado por Maxwell Lord. Al golpear los brazaletes contra la cabeza de Superman, la vibración fue tan fuerte que le reventó los tímpanos.

Espadas

Un poder más reciente es la capacidad de crear armas directamente desde los brazaletes. En Wonder Woman #15, Hefesto modificó los brazaletes para que Diana pudiera generar espadas mágicas desde ellos, así como otras armas como flechas, arcos o lanzas. Al terminar de usarlas, desaparecen de inmediato dentro de los brazaletes, listas para volver a ser utilizadas. Sin duda, es más práctico que llevarlas en el cinturón o en los antebrazos.

¿Qué te parecen los brazaletes de Wonder Woman? ¿Conocías estos datos? ¿Cuál te parece el más interesante? ¡Cuéntanos en los comentarios!

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• El día que Bane le rompe la espalda a Batman
• Qué es la Armadura Dorada de Wonder Woman
• Datos del Martillo de Harley Quinn

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La historia del ataque de Bane contra Batman se ha convertido en uno de los momentos más emblemáticos en la historia del cómic. Incluso quienes jamás han leído una historieta conocen al villano que logró derrotar al Caballero Oscuro.

El plan de Bane para debilitar a Batman, liberando a los reclusos más peligrosos del Asilo Arkham, fue un éxito. En un enfrentamiento feroz, Bane consiguió vencer al héroe, levantándolo sobre su cabeza y estrellándolo contra su rodilla, rompiéndole la espalda. Este suceso impactante tuvo consecuencias profundas para el Caballero Oscuro.

En esta publicación analizaremos a fondo este momento crucial en la historia del cómic y exploraremos el impacto que tuvo tanto en el personaje como en la industria en general. Así que toma asiento y acompáñanos mientras profundizamos en el día en que Bane quebró al murciélago de Gotham.

¿Quién le rompe la espalda a Batman?

En el cómic Knightfall (La Caída del Murciélago) se narra cómo Bane, el imponente y calculador villano, rompe la espalda de Batman. Esta historia se extendió por más de un año, de 1993 a 1994, y cambió para siempre la leyenda del Caballero Oscuro. Sus autores, el guionista Chuck Dixon y el artista Graham Nolan, no dudaron en llevar al límite al protector de Gotham.

Bane no se parecía a ningún enemigo al que Batman se hubiera enfrentado antes. Nacido en una prisión en la isla de Santa Prisca, dedicó su vida a perfeccionar cuerpo y mente. Era un estratega brillante y una fuerza física abrumadora, capaz de enfrentarse él solo a ejércitos completos.

La historia de Bane y sus motivaciones

Bane nació y se crió en la ficticia república caribeña de Santa Prisca, donde pasó su infancia en una prisión brutal. Fue allí donde desarrolló su increíble fuerza y habilidades de combate. Tras escapar, fijó su mirada en Gotham City y se obsesionó con Batman. Para él, el Caballero Oscuro representaba el desafío definitivo, por lo que pasó años estudiando cada movimiento y debilidad del héroe.

El objetivo final de Bane era quebrar a Batman tanto física como mentalmente. Quería demostrar que incluso alguien tan poderoso y respetado podía caer. Su intención era destronar al héroe y ocupar su lugar como la fuerza dominante en Gotham City.

Las motivaciones de Bane no eran completamente maliciosas: consideraba sus acciones como una forma de impartir justicia en un sistema corrupto y decadente. Sin embargo, sus métodos eran violentos y letales, convirtiéndolo en un rival temible para cualquiera que intentara detenerlo.

Bane le rompe la espalda a Batman

Tras escapar de Santa Prisca, Bane puso en marcha su plan contra Gotham y Batman. Comenzó desgastando a los aliados y enemigos del Caballero Oscuro, generando caos en toda la ciudad. Batman, ya exhausto por lidiar con las secuelas del terremoto que había devastado Gotham, apenas podía mantenerse al ritmo de los incesantes ataques de Bane.

Una vez en Gotham City, Bane se estableció rápidamente como una amenaza imponente. Inteligente, despiadado y con una fuerza sin precedentes entre los villanos de Batman, representaba un desafío real para el héroe, llevándolo hasta sus límites.

El enfrentamiento entre ambos fue feroz y brutal. Intercambiaron golpes con ferocidad, cada uno buscando la victoria. La fuerza y astucia de Bane le dieron ventaja, y en cuestión de momentos, logró romper la espalda de Batman, dejándolo paralizado e indefenso.

El momento fue tan impactante como devastador, marcando el final de una era para el personaje. Fue un punto de inflexión que cambió para siempre la percepción del héroe. A pesar de ello, Batman no renunció a su misión, incluso ante una derrota tan aplastante.

Las secuelas de la batalla

Mientras Batman se recuperaba de su lesión, Bane aprovechó para sembrar caos y destrucción por toda la ciudad. Sin el Caballero Oscuro para detenerlo, parecía invencible.

Pero cuando Gotham cayó en la oscuridad, Batman no estuvo solo. Sus aliados —Azrael, Robin, Nightwing y Oracle— se encargaron de proteger la ciudad en su ausencia. Al final, Batman consiguió recuperarse y enfrentarse nuevamente a Bane, derrotándolo de una vez por todas. Las secuelas de esta batalla dejaron una marca permanente en Gotham y consolidaron a Bane como uno de los villanos más icónicos del cómic.

El impacto de Batman: Knightfall en la historia del cómic

En primer lugar, Knightfall colocó a Bane —un villano relativamente nuevo en ese momento— en el centro de atención como un enemigo verdaderamente formidable. Su fuerza física, inteligencia y su meticuloso plan para desgastar a Batman crearon una historia emocionante que mantuvo a los lectores en vilo.

Pero no fue solo la introducción de Bane lo que hizo especial a Knightfall. Fue el impacto emocional de ver a Batman, el héroe considerado invencible, completamente destruido física y mentalmente. La historia mostró que incluso los héroes más fuertes pueden caer, y esa vulnerabilidad hizo a Bruce Wayne más humano y cercano para los lectores.

Además, Knightfall abrió la puerta a otras historias que exploraron las consecuencias mentales y emocionales de ser un superhéroe. Fue una saga innovadora que rompió la narrativa tradicional y amplió los límites del género.

El impacto que tuvo en el personaje de Batman

El momento en que Bane quebró la espalda de Batman tuvo un impacto profundo en el personaje y en sus historias posteriores. La lesión física dejó una marca permanente. Obligó a Batman a detenerse y reconsiderar su enfoque del combate contra el crimen. Se vio forzado a delegar su papel en otros, como Azrael y Robin, y a aceptar su propia vulnerabilidad y mortalidad.

Esto produjo un cambio en su carácter: Batman se volvió más introspectivo y complejo, con una comprensión más profunda de sus límites y fallas.

El momento en que Bane le rompió la espalda a Batman (cómic Batman #497) fue un hito en la historia del Caballero Oscuro. Marcó el final de una etapa y el comienzo de otra, en la que un Bruce Wayne incapacitado tuvo que encontrar nuevas formas de proteger Gotham City.

Este evento resonó no solo en el universo de Batman, sino también en toda la industria del cómic. Demostró que incluso los héroes más icónicos podían ser vulnerables y caer ante un enemigo nuevo y poderoso.

Cómics a leer

Si quieres leer todo el camino que llevó al épico enfrentamiento entre Batman y Bane, te recomendamos la siguiente guía de lectura:

• Batman: La espada de Azrael #1-4
• Batman: La Venganza de Bane
• Preludio a la Caída del Murciélago
  • Batman #484-490
  • Detective Comics #654-658
• La Caída del Murciélago
  • Batman #491-500
  • Detective Comics #659-666
  • Showcase ’93 #7-8
  • Batman: Shadow of the Bat #16-18
• La Cruzada del Murciélago
  • Detective Comics #667-675
  • Shadow of the Bat #19-20, #24-28
  • Batman #501-508
  • Catwoman #6-7
  • Robin #7
• La Cruzada del Murciélago. La Busqueda
  • Justice League Task Force #5-6
  • Batman: Shadow of the Bat #21-23
  • Batman: Legends of the Dark Knight #59-61
  • Robin #7
• El Último Desafío
  • Batman #509-510, #512-514
  • Batman: Shadow of the Bat #29-30, 32-34
  • Detective Comics #676-677, #679-681
  • Batman: Legends of the Dark Knight #62-63
  • Robin #8-9, #11-13
  • Catwoman #12-13

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• Qué es la Armadura Dorada de Wonder Woman
• Datos del Martillo de Harley Quinn
• ¿Batman es un Superhéroe, un Antihéroe o un Vigilante?

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Una de las cosas más esperadas por los fanáticos en la secuela de la película de la Princesa Amazona fue la Armadura Dorada, o Golden Eagle Armor, de Wonder Woman. Desde que se revelaron las primeras imágenes, muchos seguidores quedaron maravillados por la majestuosidad del equipamiento.

Los lectores de cómics reconocen esta armadura por su primera aparición en la épica historia Kingdom Come. Desde entonces, solo ha sido utilizada en contadas ocasiones dentro de las viñetas, lo que la ha convertido en un objeto rodeado de misterio. Sin embargo, cada vez que Diana ha recurrido al traje dorado, los lectores han quedado asombrados.

Dicho esto, revisaremos la historia de la Armadura Dorada (Golden Eagle Armor) en los cómics y por qué es tan importante para la trayectoria de Wonder Woman.

Origen y primera aparición

• Cómic: Kingdom Come #3

La Armadura Dorada que vimos en la película Wonder Woman 1984 es muy similar a la que apareció por primera vez en Kingdom Come #3. Publicada en 1996, Kingdom Come es una miniserie de cuatro números escrita por Mark Waid e ilustrada por Alex Ross.

La historia transcurre en un futuro no muy distante, donde Superman se ha retirado tras una tragedia ocurrida años atrás. En ese contexto surge una nueva generación de metahumanos jóvenes, que adoptan una visión más violenta e inestable del heroísmo, oponiéndose directamente a los valores tradicionales de la Liga de la Justicia.

Su moral frágil e imprudente difumina la línea entre héroes y villanos, y terminan dañando a inocentes. Cuando un evento catastrófico provoca la muerte de millones de estadounidenses, Superman regresa para reformar la Liga y enfrentar a estos nuevos «protectores» de la Tierra.

Sin embargo, él y Diana difieren en la forma de manejar la creciente amenaza. En una escena se observa un par de alas doradas y un casco de águila colgando en la pared de la Watchtower. Cuando estalla un motín en una prisión para supervillanos, Wonder Woman decide que ha llegado el momento de ponerse la Armadura y usar la espada forjada por el dios Hefesto, tan afilada que puede cortar átomos e incluso herir a Superman.

La Armadura Dorada de Wonder Woman simboliza la guerra. Cuando Diana la porta, está dispuesta a abrazar su lado espartano y entrar de lleno en la batalla. Superman deja claro que no se siente cómodo al ver este aspecto de Diana. Ella simplemente responde: «Espero ser un soldado».

Un arma de guerra

• Cómic:Wonder Woman #144

Los escritores y artistas posteriores de DC incorporaron la Armadura Dorada dentro de la continuidad, utilizándola en historias donde la Princesa Amazona enfrentaba amenazas que requerían refuerzos adicionales. Diana no suele utilizar esta armadura en la mayoría de sus aventuras, ya que sus reflejos y guanteletes suelen ser suficientes para combatir a la mayoría de los enemigos. Por eso, cada vez que la vemos vestir el traje dorado, es señal de que las cosas se pondrán serias.

Wonder Woman vuelve a usar la Armadura de Águila Dorada en Wonder Woman #144, de Eric Luke y Yanick Paquette. En este número, la Amazona es atacada por Devastación, hijo del Titán Cronos. Gracias a los Centauros, Diana se salva de la muerte. Para evitar más daño, se pone nuevamente la Armadura de Águila Dorada antes de regresar al campo de batalla.

Nuestros mundos en guerra

En 2001, Wonder Woman deja de lado su traje clásico con estrellas y vuelve a vestir la Golden Eagle Armor mientras lucha contra el terror cósmico Imperiex. La historia forma parte del evento crossover Nuestros mundos en guerra.

En este evento, Imperiex —la personificación de la entropía— se presenta como el principal adversario del Universo DC. Su objetivo es destruir toda forma de vida, pero antes debe enfrentar a Superman, la JLA, las Amazonas y la Atlántida. Lamentablemente, la armadura no puede proteger completamente a Diana, quien termina herida durante un ataque del villano.

Hippolyta también tiene su propia Armadura Dorada

Hippolyta, madre de Wonder Woman, posee su propia Armadura de Águila Dorada. Esto tiene sentido, pues se trata de la armadura amazónica original. En la continuación de la historia anterior, Diana queda gravemente herida tras un ataque de Imperiex. Superman lleva a la Princesa Amazona junto a su madre, quien la deja al cuidado de Kyle Rayner.

Hippolyta se pone su armadura y se dirige directamente al combate. Poco después, Diana vuelve a escena y ambas luchan juntas, madre e hija, con dos Armaduras Doradas gemelas. A pesar de la protección, Hippolyta es gravemente herida y muere en los brazos de Diana.

Armadura Plateada y Armadura de Bronce

La Armadura Dorada volvió a aparecer en 2009 durante el arco El ascenso del Olímpico, escrito por Gail Simone. En esta historia, Zeus desata su ira contra la humanidad y crea una nueva raza de hombres llamados Gargareans, liderados por Aquiles para reemplazar a los humanos.

Como consecuencia, Wonder Woman usa la Armadura de Águila Dorada para luchar contra Genocide, agente del dios de la guerra, Ares. Diana va a la batalla acompañada de sus aliadas más cercanas: Cassie Sandsmark (Wonder Girl) y Donna Troy. Ambas llevan versiones propias de la armadura: Cassie viste una Armadura de Bronce y Donna, una Armadura Plateada.

Armadura Dorada en Wonder Woman 1984

Revisando su historia, surge la pregunta: ¿por qué Diana Prince necesitó la Armadura de Águila Dorada en Wonder Woman 1984?

La Armadura Dorada es la armadura amazónica original, aquella que Diana llevaba antes que cualquier otra. En la película vimos a Cheetah, también conocida como la Dra. Bárbara Minerva, colega de trabajo de Diana. Si nos basamos en los cómics de la etapa Rebirth, Cheetah es una criatura mística y mágica capaz de causar un daño enorme. Por tanto, Wonder Woman necesitó una protección adicional en un enfrentamiento así. Diana tuvo que ponerse la Armadura Dorada para protegerse de sus poderosas garras.

¿Cuál te gusta más: la Armadura Dorada de los cómics o la versión cinematográfica? ¡Cuéntanos en los comentarios!

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• Datos del Martillo de Harley Quinn
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Aunque el extenso arsenal de la «Princesa Payasa del Crimen» incluye armas de alto calibre, hienas de ataque e incluso una catapulta, el martillo de Harley Quinn es, indiscutiblemente, su arma preferida. Antes de que la película Suicide Squad redefiniera su estética, un cosplay de este personaje se consideraba incompleto si no incluía este icónico mazo. Es el arma perfecta para ella: gigante, intimidante y usada con una precisión casi quirúrgica.

Pese a ser una herramienta fundamental en el diseño de Harley, sabemos muy poco de la historia del mazo, a diferencia de otras armas famosas de los cómics (como los guanteletes de Batman, que tienen historias complejas con ninjas). Es raro que exista tan poca información sobre este objeto, por lo que hoy vamos a repasar los datos más importantes y curiosos sobre el fiel compañero de madera de Harley.

Cuando obtuvo Harley Quinn su martillo

Curiosamente, Harley Quinn no siempre tuvo su martillo. Durante su debut en Batman: La serie animada y a lo largo de las tres primeras temporadas, nunca la vimos con él. En su lugar, utilizaba objetos aleatorios como un maniquí, un pescado congelado o un pez espada.

La aparición del arma ocurrió cuando la serie se trasladó de FOX a The WB y se renovó bajo el nombre de Las nuevas aventuras de Batman. Con un nuevo estilo de arte y un tono un poco más violento, llegó el cambio. En el primer episodio, titulado «Holiday Knights«, Batman persigue a Harley y a Poison Ivy en una tienda de juguetes. Mientras se escondía, Harley tomó «prestado» un mazo de gran tamaño que pertenecía a un animatrónico de Cascanueces. Fue ahí donde empuñó canónicamente un martillo gigante por primera vez, usándolo para golpear a Batman en la cabeza a quemarropa.

Hammer Harleen

Existe una historia muy particular sobre su arma en el cómic Harley Quinn #45. En esta trama, la fiel sirviente de Darkseid, la Abuela Bondad, le propone a Harley llegar al centro de Sinister Snarl para encontrar un «arma maravillosa». Para lograrlo, le ofrecen cualquier arma que desee para luchar contra olas de Parademons.

Harley selecciona un enorme mazo de madera y se abre paso hasta el centro, donde descubre un martillo místico. Debido a esta hazaña, es inducida en las Furias Femeninas bajo el nombre de Hammer Harleen. Esta arma especial le concedía poderes increíbles: vuelo, teletransportación, fuerza superior y una armadura de poder, siempre y cuando sostuviera el martillo.

¿Qué tan fuerte es el martillo de Harley?

Debido al tamaño exagerado del arma, los fans han especulado a menudo que debe funcionar con algún tipo de ingeniería del Joker o giroscopios internos para que sea manejable. La realidad es más sencilla: aunque Harley tiene fuerza superior a la media gracias a una poción de Hiedra Venenosa, el mazo es simplemente un gran martillo de madera.

Sin embargo, el arma tiene una versatilidad oculta y una resistencia sorprendente:

• Como arma blanca: En Heroes in Crisis, cuando el martillo se rompe contra el escudo tecnológico de Booster Gold, Harley no se detiene y utiliza el mango astillado como si fuera un cuchillo.
• Fuerza letal: En su serie de 2013, Harley demuestra que el mazo no es un chiste al usarlo para volarle la cabeza a un motero. De hecho, ella apodó a ese martillo «Beatrice» y prefiere usarlo en misiones porque, a diferencia de las pistolas, «¡no se queda sin balas!».
• Resistencia explosiva: En la película animada Batman: Asalto a Arkham, Harley deja su bate para recuperar su viejo martillo. Lo impresionante es que el Joker había escondido una bomba sucia nuclear dentro de la cabeza del mazo. La ingeniería era tan buena que el arma soportó dos batallas contra Batman sin que el artefacto detonara accidentalmente.

El martillo de Harley Quinn en Escuadrón Suicida

En la película Escuadrón Suicida (Suicide Squad), realmente vemos el martillo en pantalla por muy poco tiempo. Aparece cuando Amanda Waller recluta a Harley; ella se alegra muchísimo al encontrar el mazo entre sus cosas confiscadas. Sin embargo, a pesar de su felicidad, durante la acción utiliza principalmente un revólver negro y dorado junto a un bate de béisbol personalizado.

Un dato curioso es que el bate de béisbol es, históricamente, la primera arma que Harley usó en los cómics (en Batman Adventures #12 de 1993), utilizándolo contra Batgirl.

¿Qué dice el mazo de Harley Quinn?

Si te fijas bien en el mazo que lleva Harley Quinn en la película Escuadrón Suicida, verás que tiene una frase escrita en las partes laterales que resume muy bien la locura del personaje. El mazo dice lo siguiente:

«HAHAHA YOU ARE KILLING ME! OR AM I KILLING YOU?»

Que traducido al español significa: «JAJAJA ¡ME ESTÁS MATANDO! O ¿TE ESTOY MATANDO?».

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